La Tertulia Musi♫lite. La Música ♫ 20
Querida amiga y contertulia Marina, si la
música inunda nuestras neuronas y las incitan a describir mundos que afectan a
nuestro estado de ánimo, la melodía calificada como propiamente descriptiva
ataca directamente al mundo emocional de forma profunda. La sustitución de “Cuadros de una Exposición”, que tanto
esperabas, para cerrar los ojos y, en el Paseo
(Gnomos, El viejo Castillo,…La Gran Puerta de Kiev) de la partitura, percibir
la imagen de cada cuadro, no debe entristecerte; la “Sinfónia
nº 9 Nuevo Mundo" de Dvorak, la más conocida e interpretada de este
compositor en la que intenta describir sus impresiones sobre el Nuevo Mundo
americano, y escuchada por los astronautas americanos en su viaje a la Luna, evoca
paisajes que, ni el mismo Dvorak pudo imaginar en su descriptiva melodía. Así que, Marina, Lucas…,
ProMúsica de Águilas, con sus invitados Beethoven
y Dvorak, uno con su “Concierto para piano y orquesta Nº 3” y
el otro, con su “Nuevo Mundo” nos
esperan en el Auditorio. Nos vemos y, brindaremos por la próxima audición. ac
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PRO
MÚSICA ÁGUILAS
AUDITORIO
Y PALACIO DE CONGRESOS INFANTA DOÑA ELENA
GRAN
CONCIERTO TEMPORADA 2017/2018 3º DE ABONO VIERNES 1 DE DICIEMBRE A LAS 21
HORAS
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COLABORACIÓN DISPONIBLES EN PRO MÚSICA ÁGUILAS C /. Castelar, nº. 2 - 2nd Tel:
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Entradas
colaboración concierto: 15 Euros
Menores
de 18 años 50% menos.
Marton
KISS
Nacido el 21 de agosto de 1992
en Szombathely. Comenzó a tocar el piano con 6 años en la clase de la profesora
Lenke Németh en la escuela Béla Bartók Musik.
En 2001 y 2003 ganó el Premio
Bösendorfer en Austria, en la Prima la Musica Competición,
dos veces el primer premio.
En 2003 ganó en marzo en
Budapest el Concurso de Piano de Mozart. Como premio especial, tocó en muchos
conciertos, en Miskolc en el Festival de Ópera, en Budapest en el Festival de
Primavera y Szombathely. Se convirtió en estudiante de la Universidad de Música
en Graz, en la clase de jóvenes talentos. Su primer profesora fue Lioudmilla
Satz.
En 2004 ganó el tercer premio
en Brno, en otra concurso de Mozart. En la música de cámara con
Tibor Gyenge, obtuvieron el Primer Premio en Székesfehérvár, en el
Concurso de Música de Cámara Alba Regia.
En 2005 tocó Mendelssohn:
Concierto para piano en re menor con la Orquesta Sinfónica de Savaria, el
ldirector fue el János Petró. En abril tocó con Nikolaus
Harnoncourt en Viena en la ciudad de la ONU. Casi 2000 personas asistieron al
concierto.
En 2007 organizó un concierto benéfico
para niños en el hospital de Szombathely. En verano, ganó el Tercer
Premio en Munich, y también el Primer Premio del Jurado del Público y el Jurado
de Jóvenes Talentos. En noviembre ganó el Primer Premio en Usti nad Labem, en
la República Checa, y otro Premio especial, por el mejor arreglo de Liszt.
En 2009 ganó el Premio Sándor
Kiss del Rotary Club en Szombathely. En ese año fue apoyado por la
Fundación Nueva Europa.
En 2010 tocó el concierto de
Liszt para piano en A major en Szombathely. En junio finalizó sus estudios en
la Escuela de Gramática Primaria y Secundaria de János Bolyai. Obtuvo la
Medalla de Honor de la escuela. Hizo el examen de ingreso a la Universidad en
Graz, sus profesores fueron Milana Chernyavska y luego Balázs Szokolay.
En 2011 entró en la ronda
final de la concurso de piano Yamaha. En mayo tocó en
Rupperstal en un Pleyel-piano, que es uno de esos pianos, en el cual Liszt
también tocó. Debido al año de Liszt, tocó en muchos conciertos, en Bük,
Güssing, Szombathely, Sopron, St. Pölten.
En 2012 continuó sus estudios
en la clase de Ayami Ikeba. Ha realizado conciertos solistas en
Austria y Hungría. Obtuvo el Primer Premio en el concurso del Consulado Húngaro
en Graz.
En 2013 tocó varios conciertos
para piano, Grieg, Gershwin, Haydn, Beethoven y Mozart. Fue invitado a un
Concurso de Piano en Aarhus. Ganó nuevamente el apoyo de la Fundación
Nueva Europa.
En enero de 2014 tocó el 3er
Concierto para piano de Beethoven con el maestro Tamás Vásáry en Pavía. En
marzo terminó sus estudios de Bachelor en la Universidad de Música en Graz,
desde entonces es Master-student en la clase de Mrs Ayami Ikeba. Realizó
dos conciertos en el festival LeXGiornate en Brescia, con Marco Feruglio y
Andrea Oddone.
En 2015 obtuvo el Premio Junior
Prima en Hungría. Asistió al Forum for Tasti Piano Competition en Eslovaquia,
donde pasó a la final.
MICHAEL THOMAS
Michael Thomas
es un referente internacional, considerado como uno de los más destacados artistas de su
generación.
Natural
de Middlesbrough (Reino Unido), comenzó a tocar el violín a los nueve años y a
los once se convirtió en el miembro más joven, hasta la fecha, de la National
Youth Orchestra of Great Britain. En ella tocó bajo la batuta de algunos de los
directores más prestigiosos del mundo, como Simon Rattle, Pierre Boulez y Oivin
Fjelstadt.
En
1971 FUNDÓ EL
BRODSKY QUARTET, que
lideró durante 27 años y con el que dio conciertos por todo el mundo,
realizando numerosas grabaciones y apariciones en radio y TV. El mismo año
fundó la Cleveland Concertante, una orquesta de cuerda con la que Michael tuvo
sus primeras experiencias como director, como el estreno de su Concierto para
violonchelo a los catorce años..
Michael
ha sido invitado a dirigir numerosas orquestas, como la Britten-Pears Orchestra, Orquesta de Córdoba, Musikene, Orquesta de RTVE, Orquesta Sinfónica de Castelló, Bochum Symphony Orchestra, Malmö Academy Orchestra, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, orquestas de las academias de Trinity, Guildhall y de la Royal Academy de Londres, Orquesta Estatal de Izmir y la Orquesta de Cámara de Ostia.
Desde el
año 2000 Michael ha sido director artístico de la Orquesta Joven de Andalucía (OJA), con la que ha organizado y dirigido giras
por Portugal, Gran Bretaña, Francia, Italia... Con ella preparaba de tres a
cuatro encuentros anuales, además de las giras y grabaciones. También ha sido
director del Joven Coro de Andalucía. Ha invitado a prestigiosos directores a
trabajar con la OJA, entre los que se encuentran figuras de la talla de Diego
Masson, Enrique Mazzola, Gloria Isabel Ramos, José Luis Temes, Pablo González,
Pedro Halffter y Arturo Tamayo.
El buen
trabajo de la OCAL durante todo este tiempo le ha valido para que renombrados
solistas se presten a colaborar con ella. Algunos de estos nombres son Plácido
Domingo, Maxim Vengorov, Vladímir Áshkenazi, Ara Malikian, Christophe Coin. A
su vez han colaborado también artistas de otros géneros musicales como David
Bisbal, Raphael y Tomatito.
ORQUESTA CIUDAD DE ALMERÍA
La trayectoria de la Orquesta
Ciudad de Almería, en estos ya 16 AÑOS DE SU EXISTENCIA, ha
hecho que poco a poco se convierta en el máximo referente y exponente de la
vida cultural de la capital y provincia almeriense en lo que a música clásica
se refiere. Esta orquesta ha crecido espectacularmente en todas las direcciones
desde su primer concierto en Diciembre de 2001, gracias al apoyo incondicional
del Ayuntamiento de Almería, del trabajo constante de sus componentes y a la
proyección que le han dado los solistas y directores nacioanels e
internacionales de gran renombre produciendo muy buenos resultados de crítica y
público.
Además de su ACTUAL
DIRECTOR TITULAR MICHAEL THOMAS, cuyo currículo le avala
ya que fue la persona que fundó el Brodsky Quartet y al que lideró durante 27
años dando conciertos por todo el mundo, así como numerosas grabaciones y
apariciones en radio y TV. Fundó la Cleveland Concertante, combinando sus
numerosos compromisos internacionales como líder del Brodsky Quartet con
proyectos de composición e interpretación con músicos de todos los estilos,
como Paul McCartney, que le encargó los arreglos musicales para el funeral de
Linda McCartney, Björk, con quien interpretó en vivo sus propios arreglos de
las canciones de la islandesa, o con Elvis Costello, colaboración que dio como
resultado el álbum The Juliet Letters, ganador de un Edison Award, la
orquesta Ciudad de Almería ha estado bajo la batuta de prestigiosos directores
invitados, tanto nacionales como internacionales, tales como Pablo González,
Vladimir Ashkenazy, Pablo Christopher Coin, Lavard Skou-Larsen, etc...
Por otro lado la orquesta se
atreve a tocar todos los palos, puesto que sus concertos van desde lo clásico
tradicional y comtemporáneo como "la Misa de la Coronación",
"Los Cuadros de una Exposición", El "Carmina Burana",
pasando por la ópera como "Las Bodas de Fígaro", hasta la Zarzuela,
con "Agua, Azucarillos y Aguardiente" y música de cine en uno de los
conciertos de feria, siguiendo con flamenco con Tomatito o Estrella Morente,
Copla con Diana navarro o Pasión Vega, terminando con Boleros con Tamara.
Numerosos son los renomabrados
solistas que han colaborado la Orquesta, tales como Maxim
Vengerov, Mei-Ting Sun, Plácido
Domingo, Ara Malikian, Jose
Manuel Zapata y Juan
Francisco Padilla, así como Joan
Manuel Serrat y David Bisbal, en
éste último caso la colaboración ha sido aún mas estrecha, ya que participó
activamente en el décimo aniversario de la Orquesta, en el que se le obsequió
con una versión orquestada por el mismo Michael Thomas de uno de sus temas mas
conocidos y además un quinteto de solistas de la orquesta lo ha
acompañado personalmente en sus conciertos por España.
El fuerte de esta orquesta está
en los conciertos multitudinarios, ya que la filosofía de la misma en el
momento de su creación y hasta ahora es llegar a todo tipo de público y al
mayor número de ellos, así desde la Ceremonia de Inauguración de
los XV Juegos Olímpicos del Mediterráneo o
los conciertos en la Feria de Almería (que
ya constituyen en sí mismos una institución), en los que llenaban hasta la
bandera en sus conciertos iniciales al aire libre y con fuegos
artificiales, hasta los que se realizan en las últimas ediciones en el Palacio
de los Juegos del Mediterraneo, en los que se hace cola para entrar cada feria,
así como en los festivales en los que participa todos los años como el
concierto final del Certamen Internacional de Guitarra Clásica “Julián Arcas” o
el “Clásicos en el Parque”)
Festivales a los que la Orquesta
es asidua son, además del citado Certamen Internacional de Guitarra Julian
Arcas, el Festival de Música Antigua y Renacentista de Vélez Blanco, El Ciclo
de Música Sacra de Almería o en las Jornadas de Teatro del siglo de Oro.
Es importante destacar por otro
lado la gran labor educativa que la Orquesta proporciona, ya que en su seno se
han creado dos proyectos de formación permanente (OJAL Y
ACADEMIA DE LA OJAL) con el objetivo de formar
a jóvenes músicos e iniciarlos en el duro trabajo de la vida orquestal, es un
proyecto innovador en tanto en cuanto no se ha realizado actividad alguna de
esta índole en nuestra ciudad, con el aprendizaje, la formación y el desarrollo
de una actividad docente y formativa con una aplicación práctica de las mismas,
reflejadas en forma de conciertos, es innovador también el hecho de que las
personas que forman a estos niños son verdaderos “Maestros”; se trata, entre
otros, de Michael Thomas y José Ángel Vélez, director y concertino,
respectivamente, de la Orquesta Ciudad de Almería. Los músicos reciben
Formación académica SEMANAL en la sede de la OCAL, con una organización semiprofesional;
haciendo seccionales, en los que cada una de las cuerdas, trabajan las obras
con profesionales de gran valía que les alecciona, asesora y posteriormente en
los tutti con los que la formación al completo.
En su seno se crea El
Coro de la Orquesta Ciudad de Almería que se
forma por primera vez en agosto de 2006 con motivo de la interpretación
del Carmina Burana de Carl Orff en el Muelle de Levante (Puerto de
Almería), concierto al que asistieron más de 5.000 personas. Fue la excusa
perfecta para darle forma a un proyecto que después, en su corta trayectoria,
ha compaginado el trabajo sinfónico (Carmina Burana, Zarzuela, Requiem de
Mozart, Mesías de Haendel, Música de Cine, Ópera...) con conciertos a capela.
Por otro lado ha colaborado con
La Escuela Municipal de Música y Artes de
Almería (EMMA) para que los recursos de los que la
ciudad dispone se aúnan aún más. La Consejería de Presidencia de la Junta de
Andalucía, distingió a la Orquesta Ciudad de Almería con la Bandera de
Andalucía, entregada por la Delegacion de Gobierno en el acto conmemorativo con
motivo del Día de Andalucía: “Por promover a Almería como espacio para la
cultura, por su afán en la difusión de la música clásica haciendo que el
almeriense sea un público cada vez más entendido y demandante de calidad y
profesionalidad, y por su labor de formacion de la cantera de músicos de la
Orquesta Joven de Almería” (en Almería, Delegación de Gobierno, 27-feb-2009).
En septiembre de 2013 ha
recibido el destacado premio Ideal a los mas sobresalientes de la ciudad,
premio que recogió el director de la orquesta, Michael Thomas, emocionado.
NOTA:
Se informa que se ha producido
un cambio en la programación inicialmente anunciada y en lugar de
interpretarse "Cuadros de una exposición" de M. Mussorgsky, se
interpretará la Novena sinfónia nº 9 "Nuevo Mundo" de A.
Dvorak.
NOTAS
AL PROGRAMA
¿Qué significa domesticar?
Es algo demasiado olvidado – dijo el zorro –
Significa crear lazos.
En “El
principito” de Antoine de Saint-Exupéry
A vueltas con las notas al programa que nos acompañarían el concierto de
esta noche, ando yo mirando – que no viendo – un documental de naturaleza
de esos de maravillosa factura a los que nos tiene acostumbrados la televisión
de hoy. Concretamente no recuerdo el contenido del mismo pero, creo que era
sobre no sé qué recóndito lugar de las profundidades marinas, me viene en
pensar sobre cómo el ser humano a lo largo de su historia ha intentado en todo
momento comprender, explicar y domar cualquier aspecto que le rodee, sea éste
de la Naturaleza, el Arte o la Filosofía, o... En una palabra; DOMESTICAR.
Y he aquí que encuentro el motivo que habrá de mover la prosa que continúa.
Una vez buscadas definiciones, aproximaciones filológicas o discusiones
metafísicas, es en la sencilla definición que aparece en “El principito”, con
su inocente rotundidad, donde me sitúa la idea. Al Hombre, en su infinita
necesidad de comprensión, le mueve el deseo de explicar para así poder asir
todo conocimiento y, por tanto, domesticar su mundo y su vida. Aunque,
desgraciadamente y según el zorro, al que no le falta razón, sea algo olvidado
por lo menos en cuanto a lo de crear lazos se refiere.
La domesticación de Beethoven podemos plantearla en una doble vía. La primera
bajo el punto de vista del dominio del mundo pianístico. La segunda, la
domesticación de la Música misma y así seguir – o quizá anticiparse – a las
enseñanzas de nuestro parlante zorro. Efectivamente, Beethoven crea a través de
su música los lazos que permitirán a su muerte dotar a toda la Humanidad de un
himno que los unirá eternamente. Me refiero por supuesto a su inmortal “Himno a
la alegría” de su novena sinfonía.
Pero es hoy el piano de Beethoven lo que nos ocupa. Es en el sentido más
informal del término “domesticar” donde se encuentra su aportación. Por ser
breve. Beethoven revoluciona el piano de su tiempo, no ya como excelente
solista – tan solo recordar que fue él el que estrenó la mayoría de sus obras
para el instrumento – sino y también, en cuanto a las exigencias constructivas
del por entonces pianoforte. Sería el genial compositor el que obligó a extremos requerimientos a instrumentistas y constructores
de su época.
Digo, que no solo será él quien da el salto del piano mozartiano y
su desarrollo clasicista al piano romántico, con su extensa carga emocional y
necesidades virtuosísticas, es al mismo piano como herramienta de trabajo
al que se le hace necesario una urgente evolución derivada de la complejidad
técnica de sus obras. Con tan solo un ejemplo debería quedar ilustrado. Beethoven
hereda el antiguo piano de finales del XVIII, donde la estructura es más
endeble al ser completamente de madera, el encordamiento y todo el sistema de
macillos también obliga a unos fraseos menos exigentes y todo ello se trasluce
en un sonido más pobre. La demanda de su repertorio, y mucho más evidente en su
madurez, obliga a los constructores contemporáneos evolucionar a un instrumento
mucho más poderoso, sonoro y ágil. Beethoven pasaría de su piano inglés
Broadwood con arco de madera (y que probablemente no aguantaría los envites del
compositor) a los magníficos Érard franceses que comenzaban a introducir arpas
de acero fundido, dobles y triples cuerdas y macillos de repetición.
Si en los dos primeros conciertos para piano – más uno compuesto a
los 14 años y no incluido apenas en el repertorio – podemos escuchar a un
Beethoven continuista con la tradición vienesa, sencillo y casi familiar, el
verdadero cambio de estilo llegará con el concierto N° 3 en do menor, terminado
en 1800, estrenado en abril de 1803 y publicado en 1804. La música ha dejado de
ser fresca y bucólica para adquirir rasgos épicos y turbulentos, mostrando el
sello de una segunda etapa en la vida del maestro, pues la sordera ha comenzado
definitivamente a hacerse presente. En el otoño de 1802, el de Bonn confesará
su dolor en el enigmático testamento de Heiligenstadt (que solo se conocerá
después de su muerte, veinticinco años más tarde), donde se lamenta amargamente
de que le haya tocado precisamente a él, a un músico, perder su sentido más
necesario; la audición. El concierto N° 3 es el único de los cinco escrito en
modo menor y refleja una clara evolución e introspección en su literatura
pianística. No debe ser casualidad que a estas alturas, Beethoven ya ha
compuesto dieciocho de sus 32 sonatas para piano y se está gestando su tercera
sinfonía.
Entre las más impresionantes y conocidas sinfonías cíclicas de la
historia de la música se encuentra la “Sinfonía del Nuevo Mundo” de
Antonín Dvorak. La obra fue encargada al compositor por la Orquesta Filarmónica
de Nueva York en 1892, año en el que Dvorak había llegado a Estados Unidos para
hacerse cargo de la dirección del recién fundado Conservatorio de la ciudad. El
compositor creó entonces una obra con la intención de mostrar el resultado
de la aplicación de las técnicas compositivas europeas a materiales melódicos y
rítmicos influenciados por ciertas tradiciones propias de los Estados Unidos.
Entre otros: los espirituales negros y el folclore musical indio, para indicar
lo que él creía que debería ser el camino a seguir por los compositores
norteamericanos para crear una identidad nacional musical.
En relación con la tradición de los espirituales negros Dvorak
declaró:
“Estoy convencido de que el futuro de la música de este país debe
estar basado en lo que se suele llamar melodías negras. Éstas pueden ser la
base para una seria y original escuela de compositores que se puede desarrollar
en los Estados Unidos. Estos bellos y variados temas son el fruto de la tierra.
Son las canciones populares de vuestra tierra, y vuestros compositores deben
centrarse en ellas”.
Como hilo conductor e
inspiración utilizó la leyenda del Hiawatha (poema épico indio americano)
escrito por Longfellow y cuya lectura le sobrecogió:
“Vosotros a quienes gustan los parajes naturales, que gustáis del
prado soleado y el bosque umbrío, que os gusta el viento soplando entre las
ramas, el aguacero y la nevasca, y las avenidas de los grandes ríos por entre
sus palizadas de pinos; y el trueno en la montaña, cuyos ecos innumerables
semejan los aleteos de las águilas en sus aguileras: ¡escuchad estas
tradiciones salvajes, este Canto de Hiawatha!”.
El resultado fue una grandiosa sinfonía en cuatro movimientos,
apegados todos al orden y estructura tradicional: el funeral de Minnehaha y el despertar de la aurora en el
Largo del 2º movimiento, la canción de Chibiabos, danzas guerreras y nupciales
en el Scherzo, así como referencias a un espiritual afroamericano “Swing
low, sweet chariot” que parece estar presente en el 1º movimiento. Quiero
decir, en definitiva, que realmente la novena sinfonía de Dvorak no recopila
melodías de música tradicional norteamericana precedentes, sino que es la
propia sinfonía la que inaugura la música considerada más tarde como típicamente
americana con sus sonoridades amplísimas y sus cantos épicos y nacionalistas.
Son estas melodías y a partir de ellas las que a menudo hemos identificado como
tradicionalmente norteamericanas y su estilo inspirado a compositores
posteriores como Aaron Copland o Milton Babbitt.
Cuál fuera
la intención de Dvorak quizá no podamos explicarla ni hoy ni nunca pero, si el
autor quiso domesticar las praderas y montañas americanas a modo de documental
televisivo, lo consiguió. No es difícil imaginar en sus páginas los inmensos
paisajes norteamericanos y sus ancestrales tradiciones. Si realmente quiso
domesticar su música “creando lazos”, esto también quedó patente vinculando
para siempre la música europea con el incipiente arte americano.
Como afirmaría Borges: “todas las cosas están unidas por
vínculos secretos”.
Suerte. Buenas noches.
José Luis Llorca Cáceres.-
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